1. Играйте только то, что слышите
2. Если вы ничего не слышите, то и играть ничего не нужно
3. Не позволяйте вашим пальцам и конечностям совершать спонтанные движения, вы должны управлять ими осознанно
4. Не стоит бесконечно импровизировать, сыграйте что-нибудь намеренное, с развитием или без него, и закончите, сделайте передышку
5. Оставляйте пространство – создавайте его – намеренно резервируйте те места, в которых вы не будете играть
6. Старайтесь, чтобы ваш звук органично вписывался в общую картину. Слушайте себя, и приспосабливайте ваше звучание к звучанию всего ансамбля и акустике помещения
7. Если вы играете сразу на нескольких инструментах, например на ударной установке или на нескольких клавиатурах, убедитесь, что они сбалансированы друг с другом
8. Не стоит делать музыку механически или просто по привычке. Осознанно подходите к созданию каждого звука, каждой фразы, каждой пьесы
9. Делая выбор, руководствуйтесь собственным вкусом, не слушайте чьих-либо советов
10. Используйте метод контрастов
11. Играйте так, чтобы другие музыканты звучали хорошо. Играйте только то, что будет хорошо вписываться в общее звучание
12. Во время игры ваше тело должно быть расслаблено. Старайтесь снимать любое возникающее напряжение
13. Вы должны осознанно начинать, развивать и заканчивать ваши фразы
14. Никогда не колотите по вашему инструменту, играйте легко и изящно
15. Создайте пространство – затем заполните его
16. Не увлекайтесь подражанием – в основном играйте фразы, которые контрастируют или являются развитием идей других музыкантов

И последнее: музыка, которая тем или иным способом делает жизнь других людей лучше, является хорошей музыкой, а учеба в музыкальной школе несомненно поможет приблизиться вам к, казалось бы, недосягаемому идеалу!

С самого рождения и на протяжении всей жизни музыка сопровождает человека — воспитывает, развлекает, подчеркивает значимые события или просто является фоном повседневности. При рождении это неспешные звуки колыбельной, которую тихим голосом напевает заботливая мама своему непослушному чаду, чтобы то поскорей уснуло.

Позже это наивные детские песенки о всевозможных мамонтятах и тигрятах, любви и дружбе, удобоваримые для нежного детского слуха. Еще поздней, взрослея, человек начинает самостоятельно формировать свои музыкальные пристрастия, порой вдаваясь в крайности. Но рано или поздно настает момент, когда должна прозвучать последняя мелодия, выбор которой так же, как и в начале жизненного пути не является следствием музыкального вкуса того, в чью честь она звучит.

В одном из племен Экваториальной Гвинеи профессия музыканта на похоронах является самой почитаемой, наряду с верховным шаманом и заклинателем дождя. Это ремесло передается по наследству из поколения в поколение и будущий виртуоз должен не только научиться игре на инструментах (барабаны «нбень», «нкуу»), но и назубок выучить все догмы похоронного ритуала, в том числе похоронные песни, специальный танец «мекуэ», молитвы и обряды, связанные с жертвоприношением. Для современного европейца с его рациональным жизненным укладом это, пожалуй, будет смотреться немного дико, как дико выглядела бы в глазах африканца похоронная процессия под звуки привычного для нас похоронного марша Шопена.

Кстати о Шопене. Похоронный марш, который в наше время считается официальной траурной музыкой в чуть ли не большинстве стран мира, был написан в 1839 году и являлся лишь третьей части сонаты для фортепиано №2 си-бемоль минор. Именно Фидерик Шопен и стал первым человеком, похороненным под эту музыку.

Никому не известно, кто же первым догадался музицировать на похоронах, лишь догадки ученых сопрягают это действо с неким магическим постулатом, направленным на торжественные проводы в мир предков, где усопшего обязательно должна ожидать лучшая жизнь. Таким образом, первые зачатки похоронных мелодий стоит искать в ранних религиозных верованиях человечества. Это же распространяется и на происхождение более современных нам реквиемов. Сама этимология слова «реквием» напрямую связана с церковной латынью — сокращенное от «Requiem aeternam dona eis, Domine», то есть «Покой вечный дай им, господи».

Изначально в XV — XVI веках нашей эры реквиемы были частью траурной мессы, совершавшейся в честь знатных вельмож в католических странах. Немногим позже они обрели большую автономию, став самостоятельными музыкальными произведениями. Автор самого известного реквиема Моцарт написал свое произведение буквально перед собственной смертью, что повлекло за собой целый ряд мистических догадок. Итальянский композитор Джузеппе Верди посвятил свой не менее известный реквием лучшему другу. Известна также «Симфония-реквием памяти В. И. Ленина» специально написанная композитором Дмитрием Кобалевским в память об усопшем вожде пролетариата.

В России традиция играть на похоронах перекочевала во времена правления Петра I. Впервые на нашей исторической Родине траурный марш прозвучал на похоронах Франца Яковлевича Лефорта. Изначально духовой оркестр провожал к праотцам лишь высшие военные чины. Но при Екатерине право на эту почесть получили также купцы, а еще позже и мещане. При советской власти траурный ансамбль играл практически на каждых общегражданских похоронах, подчеркивая трагизм потери друга, соратника и близкого человека.

Похоронные марши, как правило, имеют торжественно-скорбный характер и пишутся в минорной тональности. Во Франции времен буржуазной революции хоронили под похоронный марш Франсуа Жоржа Госсека, а в Австрии и Германии позапрошлого века под 5-ю симфонию Густава Малера.

Совсем иного характера музыкальное сопровождение похорон в экзотических странах. В Китае принято провожать близких в последний путь взрывами петард и прочими какофоническими звуковыми эффектами. Первый случай музицирования на похоронах в Японии был установлен учеными-историками в период Чёй, и он также являлся частью религиозного обряда на заре синтоизма. В настоящее время траурные процессии в стране Восходящего солнца сопровождают барабанщики Кодо, своей игрой заметно диссонируя с привычными для европейского уха заунывными траурными маршами. В Индии на похоронах распевают развеселые заупокойные мантры, аккомпанируя себе на народных инструментах, а в ряде мусульманских стран играть на похоронах вообще считается верхом кощунства, за которое можно и поплатиться.

В конце повествования путь рассказчику преграждает невозможность вынести вердикт — какая из похоронных музык лучше, ибо ни одни из потенциальных «оценщиков» до сих пор так и не высказал своего мнения.

Многие из нас достаточно часто посещают rконцерты живой музыки, где одним из привлекающих посетителей факторов является выступление музыкальной группы. Поклонники музыки нередко просят музыкантов, кроме своих композиций, исполнить известные хиты. Законно ли без разрешения правообладателя такое использование чужой музыки, которое принято называть исполнением кавер-версий музыкальных произведений? Нет, незаконно и может повлечь за собой самые серьезные последствия!

В статье 1259 Гражданского кодекса РФ указано, что к объектам авторского права относятся музыкальные произведения с текстом и без него, а также производные (переработки) этих произведений, например, как в нашем случае, кавер-версии известных композиций. Только автор (правообладатель) владеет исключительным правом на использование произведения. Под использованием произведения подразумевается, в том числе, его публичное исполнение. В статье 1270 ГК РФ под публичным исполнением музыкального произведения понимается представление произведения в живом исполнении (с помощью технических средств) в открытом для свободного посещения месте, или где присутствует значительное число лиц, не принадлежащих к обычному кругу семьи. Это значит, что, если исходить строго из требований закона, чужую песню вы можете исполнить только дома перед своими близкими или, в лучшем случае, под гитару на природе, но в очень узком кругу.

Авторское право не имеет срока давности, но имеет срок действия – 70 лет со времени смерти автора, то есть через 70 лет после смерти автора (авторов) музыкального произведения вы можете на вполне законных основаниях, не получая никаких разрешений, исполнять это музыкальное произведение. Правомерное публичное исполнение музыкальных композиций, срок действия авторского права на которые не истек, будет законным только после получения разрешения у правообладателя или представляющей его организации, которая на коллективной основе управляет авторскими правами. В Российской Федерации наиболее известной такой организацией является РАО – Российское авторское общество, некоммерческая общественная организация, которая создана авторами с целью охраны интеллектуальных прав. Действительно, тяжело получить согласие от большого количества авторов, в том числе иностранных, композиции которых вы собираетесь исполнять, например, в ночном клубе. Но через систему коллективного управления, подписав один договор с РАО или подобной организацией, можно получить разрешение на использование произведений от практически неограниченного круга правообладателей.

Санкции за нарушение авторских прав более чем серьезные. ГК РФ предусматривает, что правообладатель вправе требовать от нарушителя возмещения убытков или выплаты компенсации в размере от 10 тыс. до 5 млн. рублей, но конкретную сумму определяет суд. Кроме того, в случае неоднократности нарушений авторских прав суд может принять решение о ликвидации юридического лица или о прекращении деятельности индивидуального предпринимателя. В случае, если инициатор преследования за нарушения авторских прав докажет причинение ущерба на сумму более 50 тыс. рублей и умышленность действий, то нарушитель может быть привлечен к уголовной ответственности по статье 146 Уголовного кодекса РФ.

Действительно, даже на первый взгляд кажется очень опасным исполнение в клубах без соответствующего разрешения композиций отечественных групп, их права точно кто-то охраняет и в любой момент может предъявить вам претензии. Но велика ли вероятность, исполняя, например, композиции известных западных рок-групп 60-70-х годов, что кто-то инициирует привлечение вас к ответственности за нарушение авторских прав? Есть ли в настоящее время в России организация, которая охраняет авторские права на композиции групп, которые записали свои лучшие композиции несколько десятков лет назад? Допустим, ваша группа исполнила в одном из клубов композицию группы Led Zeppelin «Stairway To Heaven» и композицию группы The Doors «Light My Fire», всем известные мировые рок-хиты. Возможно, вы будете сильно удивлены, но на территории РФ управление правами на данные композиции осуществляет уже знакомая нам организация – Российское авторское общество. Точно такая же ситуация с творчеством The Beatles, The Rolling Stones, Pink Floyd и далее по списку.

Риск быть привлеченным к ответственности за исполнение чужого музыкального материала уже в настоящее время достаточно велик, и он с каждым годом все возрастает. РФ широкими шагами идет в сторону ВТО (Всемирной торговой организации) и перед нашим государством поставлено одно из условий вступления в данную организацию: наведение порядка с защитой авторских прав. Поэтому правоохранительные органы постоянно проводят всякие операции и рейды, направленные на выявление административных правонарушений, а возможно и преступлений, связанных с нарушением авторских прав. Особенно этот риск велик в Москве, Петербурге и других крупных городах из-за наличия в них представительств различных авторских обществ, а также спецподразделений МВД по защите прав на интеллектуальную собственность. В частности, РАО с каждым годом все активнее обращается в суд с исками к нарушителям, которые сами исполняют или организуют публичное исполнение известных музыкальных произведений, с авторами которых у РАО заключен договор. В подавляющем большинстве случаев данные иски судами удовлетворяются, корректируются лишь суммы финансовых претензий к нарушителям.

Платить или нет, каждый должен сделать сам этот выбор! Наша задача – рассказать вам обо всех возможных рисках и последствиях нарушения авторских прав.

Представим, что вы с друзьями несколько лет назад создали группу, вскоре начали играть в клубах, где по известным причинам вынуждены исполнять кавер-версии композиций известных западных групп, научились зарабатывать этим довольно неплохие деньги. И вот вы решили как-то узаконить свое использование чужих произведений. Каковы могут быть ваши действия?

В данном случае необходимо:

- составить примерный список авторов, композиции которых ваша группа в основном исполняет;

- выяснить, кто в РФ представляет права этих авторов (вполне возможно, что это будет какое-то одно из крупнейших авторских обществ);

- обсудить с авторским обществом условия и заключить лицензионный договор.

При этом, учитывая характер работы вашей группы, вполне возможно, что заключение договора обойдется вам во вполне приемлемые деньги. Но зато теперь вы можете спокойно исполнять известные хиты и посредством этого зарабатывать себе на жизнь.

Для одних воплощением всемирно известного бренда Yamaha являются мотоциклы, гидроциклы, скутеры и снегоходы. Другие прежде всего представляют себе пианино, гитары или современные барабанные установки. Для третьих Yamaha ассоциируется с цифровой музыкой...

А ведь история торговой марки Yamaha началась более ста лет назад именно с производства музыкальных инструментов. В 1887 году основатель компании Торакусу Ямаха (Torakusu Yamaha) сконструировал свой первый тростниковый орган. Будучи третьим сыном в семье астронома, Торакусу с детства любил наблюдать за работой отца, совершенствуя умение работать руками, учился часовому мастерству в Нагасаки, занимался ремонтом медицинского оборудования. Успешно выполненный случайный заказ на ремонт язычкового органа стал первым шагом к созданию бренда Yamaha. Однако Торакусу Ямаха остался недоволен плохой настройкой органа, он начал изучать теорию музыки, настройку и после четырех месяцев упорного труда смог успешно завершить ремонт. Тогда Торакусу Ямаха решил основать промышленное производство музыкальных инструментов из высококачественной древесины, в изобилии поставляемой из долины реки Темрю в Хамамацу. В 1892 году был выполнен заказ на экспорт 78 органов в Юго-Восточную Азию. А 12 октября 1897 году в провинции Кюсю появилась компания Nippon Gakki Co., что буквально означает японские музыкальные инструменты. Торакусу Ямаха стал ее первым президентом. В его честь в ознаменование столетия компании в 1987 году компания была переименована и стала называться «Yamaha». Это была первая компания в Японии, производящая западные музыкальные инструменты.

Министерство образования Японии, заинтересованное развитием связей с Западом, оплатило Торакусу Ямахе поездку в США в 1899 году для изучения производства пианино в Америке. В 1900 году компания выпустила первое пианино в Японии, в 1902 году - рояль, а уже в 1904 году пианино и орган Yamaha стали обладателями Гран-при на международной выставке в Сент-Луисе. С тех пор пианино и рояли Yamaha предпочитают ведущие музыканты мира, они звучат на самых престижных международных конкурсах, фестивалях. Святослав Рихтер сказал, что только "действительно великий рояль ... позволяет Вам выразить глубокие эмоции перед аудиторией. Именно YAMAHA создаёт такие рояли. В них заложена невероятная смесь эмоций, отзывчивости и технического совершенства. И поэтому я люблю YAMAHA". Кстати, знаменитый концертный рояль Yamaha CFIIIS был разработан с участием Святослава Рихтера.

В 1914 году из-за сокращения продаж немецких гармоник Yamaha создает свою губную гармонику и начинает ее экспортировать. В 1920 году в компании работало около 1000 человек, компания производила 10000 органов и 1200 пианино в год. В 1922 году пожар уничтожил заводы в Хамамацу и Накасаве, в следующем году от землетрясения пострадал Токийский офис компании, и она была близка к банкротству. Но в 1927 году руководство компанией было доверено талантливому менеджеру Кайчи Каваками, он реорганизовал кампанию, уменьшил цену на продукцию, и в течение 18 месяцев выплатил половину долгов компании. Он много работал над улучшением качества инструментов и в 1930 году открыл акустическую лабораторию и исследовательский центр, а также нанял специалистов известной немецкой марки Bechstein. Под управлением Каваками на рынке были представлены недорогие аккордеоны и гитары.

Во время второй мировой войны производство музыкальных инструментов было временно приостановлено. Однако после войны благодаря финансовой помощи из США производство гармоник и ксилофонов было восстановлено в течение двух месяцев после получения средств. Полгода потребовалось для восстановления органов, аккордеонов, труб и гитар. С 1947 года возобновлен экспорт гармоник. Компания стала производить металлические рамы для пианино, и в течение трех лет было восстановлено производство пианино. В 1947 году был произведен первый звуковой фонограф.

С 1948 года в школах Японии обязательным является музыкальное образование детей. Это дает новый толчок развитию бизнеса Yamaha. В 1954 году открываются музыкальные школы Yamaha, они занимаются популяризацией музыки. Для разных возрастных групп детей, включая детей раннего возраста, разрабатываются свои методики. Спустя 10 лет, в 1964 году, первая музыкальная школа Yamaha появляется в США. Этому предшествует открытие своего представительства в Лос-Анджелесе. Сейчас система музыкального образования детей и подростков YAMAHA MUSIC SCHOOL существует во многих странах мира.

В 1966 году основан фонд Yamaha Music Foundation. Он проводит международные конкурсы Junior Original Concert, первый такой концерт состоялся в 1971 году в Японии, в 1973 году – в Западной Германии. Этим фондом проводится также Международный фестиваль Electone, представляющий молодые таланты, которые используют в своем творчестве новейшие технологии. Работа Yamaha над развитием музыкального образования помогает дальнейшему росту бизнеса. Внутренний рынок стремительно растет: количество продаж пианино увеличивается с 24000 в 1960 году до 100000 в 1966. Yamaha становится наибольшим производителем фортепиано в мире.

Yamaha лидирует в разработке новых концепций музыкальных инструментов, согласно возрастающими требованиями рынка впервые создает дисклавир, тихие фортепиано, тихие духовые и ударные инструменты. В 1973 году Yamaha выпускает первую модель фортепиано серии Silent, позволяющее отключить звук и прослушивать исполнение в стереонаушниках. Рояли Дисклавир дают возможность использовать современные возможности настройки при работе с произведениями для фортепиано, написанными в давние времена. Современные цифровые рояли ГранТач сочетают традиционную клавиатуру инструмента и его механику с электронной технологией, что позволяет создать инструмент минимальных размеров и веса, а также отключать звук. В 2008 году корпорация Yamaha приобретает известнейшую в мире европейскую фортепианную марку Bösendorfer, славящуюся уникальным классическим звучанием.

В восьмидесятых годах компания сосредоточилась над развитием электронных и цифровых компонентов. Синтезатор Yamaha CS-80 выпускался с 1976-го по 79-й годы. Это один из первых полифонических синтезаторов, предоставляющих музыканту большие возможности по наложению звуков. Полюбивший именно этот синтезатор греческий композитор Вангелис сравнивал его с симфоническим оркестром. Его знаменитый альбом "Bladerunner" ("Бегущий по лезвию бритвы") своим звучанием обязан именно синтезатору CS-80. Майкл Джексон тоже записал свой альбома "Thriller" с использованием этого синтезатора. В 1983 году был выпущен первый цифровой синтезатор DX-7, он побил все рекорды продаж синтезаторов.

Сегодня Yamaha - единственная в мире компания, производящая практически все музыкальные инструменты – клавишные, ударные и духовые, гитары, синтезаторы, тон-генераторы и сэмплеры. Они известны безупречностью звука, надежностью, легкостью использования и относительно невысокой ценой. Yamaha производит также профессиональное звуковое оборудование высокого класса.

Логотип компании Yamaha – заключенные в круг три скрещенных камертона, цвет - фиолетовый. Само название Yamaha - в асимметричном шрифте. Для разграничения логотип компании Yamaha Motor - красного цвета, шрифт симметричный. В 1898 году на логотипе созданной тогда компании Nippon Gakki Co. была изображена птица феникс с камертоном в клюве. В 1927 году птица пропала, зато камертонов стало три. С тех пор три скрещенных камертона всегда присутствуют в логотипе и символизируют три основы бизнеса компании - технологии, производство и продажи. Они символизируют также музыку, качество звучания и одновременно динамику развития. Именно она помогла корпорации Yamaha очень быстро завоевать всемирное признание.

Будущий бас-гитарист родился в 1967 году в маленькой деревне Минта в Камеруне. При рождении он получил имя Bona Pinder Yayumayalolo, из которого впоследствии появилась его новая фамилия - Бона.

Первые музыкальные навыки он получил в своей семье, принадлежавшей к роду гриотов, северо-африканских певцов-сказителей. Их мастерство передавалось из поколения в поколение. Когда-то гриоты были важными людьми племени и исполняли множество функций: от воспитания наследников вождя племени и общения со злыми духами до сказаний и музыкального сопровождения всех торжеств и церемоний. К концу 20 века их роль стала все больше сводиться только к исполнению музыки, при этом мужчины обычно играли на музыкальных инструментах, а женщины пели.

В своих интервью Бона часто говорит, что его дед-гриот был первым музыкантом, оказавшим на него влияние, и разглядевшим его талант. Он изготовил для внука первый, традиционный для гриотов, музыкальный инструмент — балафон (африканский родственник ксилофона).

Увлеченный ребенок проводил по 8-12 часов в день, осваивая новый инструмент. Такая целеустремленность еще не раз поможет музыканту, ведь, как говорит Бона, «если я делаю что-то, то погружаюсь в это на всю 1000%». В 5 лет ребенок уже достаточно хорошо играл на балафоне, чтобы аккомпанировать своей матери и четырем сестрам в церкви. Постепенно Бона стал востребованным музыкантом на свадьбах, крестинах и прочих деревенских торжествах.

Помимо балафона, его привлекали и другие инструменты, но, не имея возможности их при обрести, он научился изготавливать их сам. Среди них были флейты, перкуссии и, наконец, первая 12-струнная гитара. Правда, для ее изготовления подручного материала оказалось недостаточно.. Струны находчивый ребенок сделал из велосипедных тормозных тросиков, которые стащил в местном магазине.

К 11 годам Бона перебрался в крупнейший город Камеруна, Дуалу, вместе за своим отцом, получившим работу водителя грузовика. Целыми днями Бона упражнялся в игре на своих самодельных инструментах и почти не появлялся в школе. Зато по вечерам его все чаще можно было видеть в местном ночном клубе, джемующим со своим школьным наставником, а по совместительству настоящим мастером африканского стиля бикутси, Messi Martin. Эти выступления принесли Бона первый заработок, который он с радостью потратил на покупку настоящей гитары.

Когда Бона исполнилось 13, он познакомился с французом, владельцем джаз-клуба при одном из отелей Дуалы. В клуб срочно требовалась группа музыкантов, и Бона порекомендовали как хорошего исполнителя. Не испугавших сложности задачи, он согласился в течение нескольких недель собрать коллектив и начать выступления, хотя к тому моменту не имел о джазе ни малейшего понятия и был скорее привлечен астрономическим денежным вознаграждением (в 20 раз больше его обычного заработка). Владелец клуба предоставил Бона для ознакомления богатую коллекцию джазовых пластинок — более 500 штук — которые начинающий музыкант слушал дни и ночи напролет. На одной из них ему случайно попалась композиция «Портрет Трейси» в исполнении легендарного Джако Пасториуса (Jako Pastorius). Четкость и скорость игры настолько поразили подростка, что в первую секунду он подумал, что по ошибке включил ускоренный режим воспроизведения.. С этого момента Бона, наконец, нашел свой инструмент.

Когда Бона было 17, умер его отец. Настало время больших перемен. Бона отправился получать музыкальное образование в Европу. Позже он вспоминал, как прилетел в Париж зимой в шортах и в футболке, и, сойдя с трапа самолета, впервые в жизни увидел снег. Стюард отдал ему свой свитер и посоветовал не отчаиваться и все же дать городу шанс. А уже через несколько месяцев Бона, и здесь предпочитавший теоретические знания практике, уже играл вместе с такими известными музыкантами как Дидье Локвуд (Didier Lockwood), Марк Дюкре (Marc Ducret), Ману Дибанго (Manu Dibango) и Салиф Кейта (Salif Keita).

В 1995 году Бона заслужил внимание жюри конкурса «Decouvertes», организованного Radio France Internationale. Он прошел в финал со своей балладой «Eyala». Казалось бы, карьера музыканта пошла в гору, но произошло совершенно неожиданное: французские власти отказали ему в продлении вида на жительство, мотивируя это тем, что 1604 французских бас-гитариста и так находятся без работы. Тогда знакомый американский флейтист пригласил Бона на несколько дней погостить у себя в Нью-Йорке.

Четырехдневный визит растянулся на 2 недели, в течение которых Бона и музыкальный мир Нью-Йорка знакомились друг с другом, изучали и удивляли мастерством. Этого краткого времени оказалось достаточно, чтобы американские исполнители и публика оценили талант камерунца, а сам он почувствовал, что Нью-Йорк с его богатой музыкальной жизнью становится для него родным городом.

Вскоре Бона предложили работу музыкального директора в шоу Гарри Белафонте (Harry Belafonte), о котором, как когда-то о джазе, он тогда не имел ни малейшего представления. Что, однако, не помешало Бона с успехом справиться с задачей. Так началась его совместная работа со звездами американской и мировой музыкальной сцены, которая не прекращается до сих пор. Среди исполнителей, с которыми ему довелось выступать, были Ларри Корьелл (Larry Coryell), Майкл и Рэнди Брекер (Micahel and Randy Brecker), Стив Гэдд (Steve Gadd), Пэт Мэтини (Pat Metheny), Джородж Бэнсон (George Benson), Бобби МакФеррин (Bobby McFerrin), Брэнфорд Марсалис (Brandford Marsalis) и многие другие.

В сотрудничестве с этими разноплановыми музыкантами по-настоящему проявилась музыкальная гибкость и одаренность Бона: он быстро осваивал новые стили и мог с легкостью переходить от джаза к сальсе, кантри и этно. В одном из интервью музыкант сказал, что действительно научиться чему-то и узнать мир можно только общаясь с теми, кто совсем не похож на тебя, и делая то, чего раньше никогда не пробовал.

В 1999 году Бона выпускает свой дебютный альбом под названием «Scenes of My Life». С этого момента каждые два года музыкант радует своих поклонников своим новым альбомом.

Яркие, пестрые и невероятно искрение пластинки, рассказанные языком джаза, попа и африканских ритмов. В них нашлось место всему: и детским воспоминаниям о ночных страшилках, самом медленном в мире поезде, который всегда могли догнать опоздавшие, о праздничном дне, когда у вдовы кончается многолетний траур, и личным чувствам и переживаниям музыканта по поводу рождения первого ребенка, смерти отца, веры в Бога, и общечеловеческим эмоциям от уничтожения тропических лесов и остающихся после войны детях-сиротах.

Особого внимания заслуживает композиция «Ida Bato» с альбома «Tiki» («Сокровище»). Это старинная песня гриотов, которая передается из поколения в поколение с конца 18 века. Дед Бона научил его этой песне, когда тому было 8 лет. Мелодия и текст воспроизведены в точности, хотя, как признается музыкант, некоторые использованные в ней древние выражения на местном диалекте даже он не способен до конца понять. «Ida Bato» - своеобразное посвящение человеку, который всегда верил в талант Бона и оказал большое влияние на его творчество. Деду не раз приходилось защищать увлечение Бона перед его решительно настроенным отцом. Как-то, будучи в гневе из-за чрезмерного увлечения сына музыкой, тот даже разбил гитару о голову Бона.

Возвращаясь к альбомам, хочется отметить, что все они оставляют ощущение уникальных, сделанных вручную вещей, именно для тебя, с большим мастерством и энергией автора. Есть у них и еще одна отличительная черта: невероятная верность музыканта себе, своему стилю, чудесным образом сочетающаяся со смелыми экспериментам. Кстати, последнее стало причиной того, что в 2001 году, после издания своего второго альбома, Бона разорвал контракт со звукозаписывающей компанией Colambia. Ее руководство хотело, чтобы музыкант отказался от творческих поисков и работал в рамках четко обозначенного формата. Они видели в нем нового Стинга, этакого «африканца в Нью-Йорке», в то время как у него были совсем другие планы. Он хотел сделать свою музыку разнообразной, близкой и понятой как можно большему числу людей, не ограничиваясь какой-то одной нацией или культурой.

В результате третий альбом, демонстративно названный на родном языке «Munia» («сказка» в переводе с одного из камерунских диалектов), и равно как и все последующие, издавались уже компанией Universal Music. И, как показало время, Бона сделал правильный выбор. В 2004 году он удостоился высшей награды в категории «Best International Artist of 2003» на конкурсе “Victoires de Jazz”, а в 2007 году за альбом «Tiki» (“Сокровище”) получил грэмми в номинации «Best contemporary world music».

Сейчас музыкант живет на Манхэттене с женой-француженкой Ярой и сыном Лео (старшая дочь Кристал живет в Париже с тетей). По вечерам Бона можно услышать в местных клубах Izzy Bar и Zinc Bar.

А в 2005 году он попробовал себя в еще одной роли — профессора и преподавателя бас-гитары в Нью-Йоркском университете.

Несмотря на плотный график, музыкант регулярно находит время на то, чтобы бесплатно выступать в школах в одном из беднейших округов Нью-Йорка. Бона помнит, как все начиналось для него, и верит, что, благодаря теперь уже его музыке, сказочная история может повториться для кого-то еще.

Кто-то провел детство в специальной музыкальной школе за выжиманием гамм из раритетного прабабушкиного пианино (конечно, по доброй воле, без единой мысли об углах и ремнях), а кто-то честно все школьные годы отыграл в хоккей – или шил плюшевых зайцев с пуговичными глазами для устрашения первоклассников. И частенько бывает, что годам к 17-30-50-ти страсть к музыке у первых пропадает, но зато - остро прорезается у «ветеранов плюшевых зайцев». Это нормально. Это лечится. Путем обучения игре на желанном инструменте. Вот только на каком – на «живом», настоящем пианино или на синтезаторе? А если вы решили, что уметь музицировать должен ваш ребенок?

Сейчас этот вопрос кажется странноватым: если только прабабушка не завещала вам своё фортепиано, строго-настрого наказав учиться исключительно на нём, то вроде бы логично сразу взять синтезатор. Компактно, современно, много дополнительных возможностей... Но есть и «подводные камни», о которых особенно важно знать, если вы приобретаете инструмент для ребенка или же сами планируете развивать слух и заниматься музыкой всерьёз. Главное и всем очевидное отличие пианино от синтезатора заключается в том, что пианино – инструмент акустический, струнно-клавишный, а синтезатор – электронный. То есть в первом случае звук «живой», а во втором, как ни крути, – «мертвый». И это имеет значение, особенно при обучении – для развития слуха, чувствительности уха к звуку (подумайте – ведь ни один гитарист не посоветует вам начинать учиться играть сразу на электрогитаре – сначала всегда стоит освоить классический инструмент). Второй важный момент – клавиатура. «Живая» клавиатура пианино, связанная с «живыми» молоточками, бьющими по реальным струнам в «брюхе» инструмента, оказывает такое же реальное, ощутимое сопротивление пальцам при нажатии. Клавиатура синтезатора, конечно, тоже может быть активной, чувствительной к касанию и послекасанию, но нажимать, как правило, нужно более мягко, более плоскими пальцами. Также на второй план отходит правильная постановка кисти руки – ведь синтетический звук в большинстве случаев воспроизведётся правильно. Для фортепиано же важен любой нюанс.

Сания, преподаватель теории музыки в музыкальном училище: «Ребенок, начавший обучаться на синтезаторе, испытывает в дальнейшем большие трудности при игре на фортепиано: оно под его пальцами не звучит. Иногда клавиши совсем не отзываются на прикосновение. Если говорить о положении кисти при игре на синтезаторе - это вообще катастрофа. Я сама обучала детей и на синтезаторе, и на фортепиано. Дети, играющие на фортепиано, быстрее приспосабливаются к остальным инструментам, если это потребуется.

Что касается звучания, как бы ни был хорош синтезатор, детям он портит тембровый слух. Они перестают различать акустические инструменты. Не совсем, конечно, но резкость слуха понижается. Не знаю, с чем это связано. Может быть, с тем, что синтезатор воспроизводит звук всё-таки не вполне настоящий. Очень трудно ребенка, который играл на синтезаторе, научить отличать на слух один инструмент от другого. Он привык, что звуки все схожи, имеют на синтезаторе один и тот же призвук. У «живого» же инструмента есть еще призвуки движения: у фортепиано - стук молоточков, у скрипки - скрип смычка, у гитары - вибрация корпуса об струны. Синтезатор, к сожалению, не может этого передать. И еще: если человек начинал знакомство с музыкой с акустических инструментов, он воспринимает синтезатор по-иному, как более примитивный инструмент. А если начинал с синтезатора – как правило, не воспринимает акустические инструменты. Не слышит богатства тембров».

Существует, правда, такая замечательная вещь, как электропиано – синтезатор, наиболее приближенный к фортепиано по характеристикам, обладающий высокой чувствительностью клавиш и даже педалями. «Но это "идеализированное" фортепиано, - считает Сания. – Все клавиши у него выровнены, все нажимаются одинаково, ничего не западает. У пианино же всегда одни клавиши более "разболтаны", другие – менее. Нужно большое мастерство, чтобы сыграть так, как ты хочешь. Именно поэтому за рубежом наши пианисты пользуются большой славой. Мы играем на ужасных роялях. А за границей рояли очень хороши, "играют сами" (в этом мне признавались многие из знакомых пианистов). Когда наши музыканты научаются бороться с трудностями инструмента, им оказывается подвластно любое движение».

Допустим, вы выбираете инструмент не для хрустальных детских ушей и пальцев, а для себя – и именно синтезатор, а не рояль на львиных ножках. Прежде чем отправляться глотать слюну в ближайший музыкальный магазин, ответьте на главный вопрос: для чего вам нужен инструмент? Для чего вам нужно научиться играть, что вы будете с этим умением делать? От ответа напрямую зависит... Да, в принципе, всё. Характеристики нужного инструмента, модель, цена. Три основных пути на этом перекрестке:

• вы намерены серьёзно, профессионально заниматься музыкой; возможно, собрать по деталям новых «Цеппелинов», в будущем – записать с десяток альбомов и умереть от разрыва счастливого сердца на сцене, на глазах у полумиллиона фанатов;
• вам очень хочется играть за денежку в ресторанах, кабаках, на свадьбах, там, где не требуется виртуозного исполнения, но «гостям должно быть весело»;
• вы учитесь «для себя», для собственного удовольствия, и для того, чтобы иногда поразить вашими умениями двоюродных тёток и внучек на дне рождения дедушки.

В последнем случае подойдет и наиболее простой трехоктавный инструмент с податливыми клавишами – но покупать такой, если у вас «серьёзные намерения» – моральное самоубийство.

Для начала обратим внимание на клавиатуру. Нам важны размеры клавиш и чувствительность оных к силе нажатия – жесткость. Клавиатура бывает полноразмерной либо малоразмерной, «размерность» зависит от ширины клавиш (длина тоже может быть разной, но тут она особой роли не играет). Клавиши синтезатора могут быть такой же ширины, как у фортепиано – это полноразмерная клавиатура; а могут быть более узкими – такая клавиатура считается малоразмерной. На узких клавишах играть намного проще (особенно новичку): не требуется сильной растяжки пальцев, не нужно насиловать руку. Но это – очередной «подводный камень», как и в случае с музыкальным слухом, ведь для серьёзной игры вам, в любом случае, потребуется способность «сажать пальцы на шпагат», играя на нормальном, «полноразмерном» инструменте. Так что для серьёзного обучения – только полноразмерная клавиатура. Для развлечения же подойдет и малоразмерная.

Чувствительность клавиш – важнейшая характеристика. Клавиатура может быть пассивной либо активной. В первом случае инструменту всё равно, с какой силой вы бьете по клавишам – звук будет воспроизводиться один и тот же. Активная же клавиатура приближена по свойствам к фортепианной: качество и громкость извлекаемого звука зависит от силы нажатия. Синтезаторы с пассивной клавиатурой стоят намного меньше и могут подойти для любительской игры. Если мы учимся серьёзно и ответственно – постараемся в сторону нечувствительных клавиш даже и не моргать.

Жесткость активной клавиатуры тоже имеет градации. Бывает:

• невзвешенная
• полувзвешенная
• взвешенная клавиатура

Клавиши последнего типа наиболее «жесткие», требуют большего усилия при нажатии. Для обучения (да и для игры в дальнейшем) вполне подойдет и полувзвешенная клавиатура.

Количество клавиш (читай: количество октав) – тоже важнейшая характеристика. Синтезаторы до трёх октав в большинстве случаев – «сувенирные тыкалки», игрушки. Самый распространенный и популярный вариант – пять октав: такой подойдет и для обучения, и для игры. 6-7 октав помогут натренировать руку и полноценно играть будущему (или настоящему) пианисту. Но это – уже большой инструмент и немалая цена...

Разумеется, подходящая клавиатура – далеко не всё, что нам нужно от синтезатора. На самом деле данная «деталька» может отсутствовать у инструмента совсем. «Вообще, синтезаторы делятся на две категории: обычные клавишные и рэковые — то есть те, что вставляются в рэк вместе с эквалайзерами, процессорами, компрессорами и прочими прибамбасами, – делится знанием старый-престарый клавишник Алексей. – К последним необходима еще и миди-клавиатура – клавиатура без собственных звуков, посылающая миди-сигнал в синтезатор или компьютер». Но мы учимся, и перед нами всё-таки, скорее всего, классический симбиоз клавиатуры и корпуса. Что еще может иметь для нас значение? Масса. Если вы, например – хрупкая девушка, и при этом собираетесь носить инструмент на репетиционную базу (либо к преподавателю), массой как важнейшей характеристикой не стоит пренебрегать ни в коем случае. Для частых концертов громоздкий «гроб» тоже не очень подходит.

Другие характеристики? Конечно, качество звучания: инструмент может пищать, как резиновый Микки-Маус, а может выдавать чистый звук, максимально приближенный к идеалу звучания реального инструмента (выбор тут, сами понимаете...). Алексей: «Важно удобство управления инструментом. Удобство коммутации: например, количество выходов, педалей и т.п.» А еще, конечно, стили, эффекты, наличие папочки с нотами в комплекте и очень многое другое. Впрочем, без папочки можно и обойтись.

Мы постарались рассказать об основных характеристиках, на которые стоит обратить внимание при выборе инструмента. А что в итоге для Вас окажется на вершине "пирамидки" - синтезатор или прабабушкино пианино - решать Вам.

Анна родилась 18 сентября 1971 года в Краснодаре в семье потомственных казаков и людей «серьезных» профессий: мать – инженер, отец – гидролог. Но девочку с детства больше привлекали творчество и спорт: отличаясь неуемной энергией, она одинаково увлеченно занималась верховой ездой, рисованием, акробатикой и, конечно, пением. Впервые Анна вышла на сцену в 3 года, в детском саду, а в школьные годы в течение семи лет была солисткой ансамбля "Кубанская пионерия".

Правда, претенциозно сказать, что уже тогда судьба Анны была предрешена, было бы неправильно: параллельно с выступлениями в ансамбле, она умудрилась получить разряды по легкой атлетике и звание кандидата в мастера спорта по акробатике, а еще выиграть региональный конкурс красоты «Мисс Кубань». Для полноты картины стоит добавить, что в детстве в разное время Анна мечтала стать хирургом, художником или каскадером. Однако ни эти профессии, ни спорт или модельный бизнес (кстати сказать, карьеру модели выбрала для себя ее старшая сестра) в итоге не стали ее призванием.

Посоветовавшись с отцом, который когда-то сам получал образование в Ленинграде, Анна едет в северную столицу, чтобы поступить в музыкальное училище на отделение оперетты. Успешно пройдя конкурс, она попадает в класс преподавателя Татьяны Борисовны Лебедь. Однако случайное посещение Мариинского театра заставило Анну пересмотреть свои планы на карьеру артистки легкого жанра в пользу более серьезного искусства – оперы.

Сказано - сделано: после училища Анна поступает в петербургскую консерваторию имени Римского-Корсакова в класс преподавателя Тамары Новиченко. Как отмечают, будущая прима обладала хорошими, но не уникальными природными данными, зато у нее были недюжинные упорство, трудолюбие и любознательность, со временем позволившие ей обойти изначально более одаренных сокурсников.

Но и этого ей было мало: одно дело – изучать теорию в классах, а другое – видеть жизнь театра изнутри. Благо, прямо напротив консерватории располагается настоящая мечта отечественных классических музыкантов и по совместительству один из лучших театров России - Мариинский. Не долго думая, Анна устраивается туда работать уборщицей. Совсем не потому, что ей не хватало денег, чтобы посещать спектакли, как можно подумать (к тому же, для студентов консерватории они почти бесплатны), а чтобы иметь еще больше возможностей слушать и учиться у признанных мастеров, видеть не только премьеры, но и то, как, репетиция за репетицией, они создаются.

И первый успех от такого разностороннего обучения не заставил себя долго ждать: в 22 года Анна участвует во Всероссийском конкурсе вокалистов им. Глинки и выигрывает его. Поверив в свои силы, она приходит в Мариинский театр уже в новом качестве: на прослушивание к художественному руководителю Валерию Георгиеву. Отметив способности молодой исполнительницы, он для начала предлагает ей попробовать себя в роли Барбарины, одной из героинь в опере Моцарта "Свадьба Фигаро". Анна с большим желанием работает на репетициях и на одной из них режиссер Юрий Александров предлагает ей попробовать спеть партию Сюзанны. Анна с успехом справляется с поставленной задачей и ее утверждают на главную роль, в которой певица и дебютировала на сцене Мариинского театра в свои 23 года.

Следующим важным этапом в карьере Анны Нетребко стал 2002 год. Все началось с ее выступления на сцене Метрополитен Опера в роли Наташи в спектакле "Война и мир", после чего журналисты окрестили Анну "Одри Хепберн с голосом". Но настоящее признание ждало ее в Зальцбурге, где она должна была выступить в роли Донны Анны в опере Моцарта "Дон Жуан". При этом Анне не только предстояло исполнить сложнейшую партию, но и разрушить сложившийся стереотип о том, что музыка Моцарта русским не поддается. И тем интереснее казалась ей эта задача. Анне Нетребко "покорился" даже великий Моцарт. После этого весь оперный мир признал начинающую звезду мировой примой: приглашения от крупнейших театров стали приходить одно за другим, а график гастролей оказался расписан на многие годы.

Несмотря на обретение высокого статуса, или как раз поэтому, Анна ведет себя на сцене легко и непринужденно: может станцевать босиком, сделать сальто или кувырок через голову – не даром же получала кандидатство по акробатике.

В обаянии, непосредственности и умении оставаться собой на сцене и вне ее – немалая доля успеха Анны Нетребко. Однажды, Ангела Меркель пригласила певицу в гости в свой дом. Ну как же не поговорить о России, о медведях, о матрешках и о борще? «На наших косолапых Вам нужно посмотреть своими глазами, а вот борщ и я могу показать», - задорно сказала Анна. Прима надела фартук и приготовила традиционное русское блюдо. Ангела Меркель была в восторге и от борща, и от оперной дивы.

Сегодня Анна Нетребко - победительница конкурсов и обладательница многих почетных званий, от народной артистки России до титула "музыкант года" от авторитетного журнала "Музыкальная Америка" - награды, которую по значимости можно сравнить разве что с Нобелевской премией. И никто уже не вспоминает о том, что в круговороте гастролей и репетиций – контракты расписаны на 5 лет вперед - диплом консерватории она до сих пор не получила.

В одном из интервью Анна Нетребко призналась: "Я очень счастливый человек, потому что занимаюсь делом, которое очень люблю. С другой стороны, я всё время стремлюсь куда-то, моя планка постоянно поднимается, не стоит на месте. Я всё время ставлю перед собой новые задачи. И не думаю, что когда-нибудь остановлюсь".

Судьба – это характер, и, кто знает, не стань Нетребко оперной дивой, может быть, сегодня мы бы знали ее как известного хирурга, художника, спортсменку, как она мечтала когда-то в детстве?

Мир музыкантов полон разных поверий, особенно когда речь заходит о сцене и публичных выступлениях. Например, если перед выходом на сцену упали ноты, это считается верным признаком того, что во время концерта исполнителя будут подстерегать неприятности с музыкальным текстом, может подвести память или запутаться пальцы. Во избежание такого позора, как гласит молва, нужно, не поднимая нот, сесть на них. Если доступно, лучше даже отдельно на каждую страницу. И только после этого ритуала поднять. Можете спросить любого музыканта - вам скажут, что это помогает.

Разумеется, это лишь суеверия, и каждый исполнитель знает, что по-настоящему хорошим выступление делает упорная, кропотливая подготовка и правильный образ жизни. Что же такое этот правильный образ жизни, особенно у вокалистов? Почему именно у вокалистов - ответ прост. Их инструмент - это их собственный голос, уникальный для каждого человека. Если его не беречь, петь будет просто нечем! Итак, какие же рекомендации действительно помогут сохранить голос в процессе обучения вокалу и последующей профессиональной деятельности, а какие являются суеверием? Давайте разберемся.

Давно сложился устойчивый стереотип, что все вокалисты неженки и постоянно кутают своё горло в шарф, чтобы не простыть и не осипнуть. В действительности это не совсем так. Вокалисты - люди здравомыслящие и понимают, что лучшая профилактика простуды - это закалка. В то же время не пренебрегают они и элементарными правилами, например, не пить холодное и не выходить на холод сразу же после занятий вокалом, когда связки разогреты.

Что же касается рациона певца, бытует мнение, что чем больше он ест и чем больше становится масса его тела, тем ярче и богаче звучит его голос. И здесь спешим разочаровать: обильная трапеза перед концертом или оперным спектаклем мешает петь. Тяжелый объемный желудок давит на диафрагму и мешает певческому дыханию. Чтобы такого не произошло, есть нужно за два часа до выступления. Пища должна быть богатой белком, но ни в коем случае не жирной. Оптимальный вариант – отварное мясо с овощами. Хорошо бы еще проверять температуру пищи: она не должна быть очень горячей, а лучше не выше 37 градусов. Для голосовых связок очень полезна перловая каша и яичный белок: они обволакивают и смягчают их. А вот орехами, семечками, сухарями и шоколадом увлекаться не стоит: они раздражают слизистую горла. Полностью необходимо отказаться от алкоголя и сигарет, негативно влияющих на работу связок.

Многие считают, что физические упражнения губят голос, а особенно вредно качать пресс. Якобы твердая мускулатура препятствует естественно льющемуся потоку голоса. На самом деле все в точности до наоборот: те же натренированные мышцы пресса — основа певческого дыхания. Конечно, если впадать в крайности и пытаться стать атлетом-тяжеловесом, поднимая штанги с огромным весом, вряд ли это будет способствовать развитию вокального аппарата. Но умеренная физическая нагрузка еще никому не вредила. А пение - уже немалая нагрузка, требующая повышенной физической выносливости. Укрепить ее поможет плаванье, особенно в спортивном стиле брасс. Здесь не только работают все мышцы тела, но и тренируется дыхание, что так важно для поющего человека. Кстати, занятия для тренировки пресса предшествуют вокальным урокам в некоторых зарубежных музыкальных школах!

Ну и напоследок, особое внимание нужно уделять режиму сна. Высыпаться - это главное для вокалистов. Ложиться спать необходимо не слишком поздно и спать не менее 8-9 часов. Перед сном стоит проветривать комнату и увлажнять воздух в ней. Так же помнить, что в течение первых двух часов после пробуждения голос еще спит, и не стоит напрягать его соловьиными трелями любой сложности. А непосредственно в день концерта вообще лучше помолчать.

Таким образом, вокальные привычки и обучение в хорошей музыкальной школе способствуют не только развитию вокальных навыков, но и хорошему самочувствию в целом!

«Каждый охотник желает знать, где сидит фазан» - знакомая считалочка? Теперь давайте вспомним, о чем она. Ну, конечно же, о названиях семи цветов радуги. Раскрасить радугу просто: бери нужный цвет и рисуй. Главное - запомнить последовательность. А можно ли раскрасить музыкальные звуки и, если да, то – чем и как? Что такое музыкальная краска? Какие цвета могут соответствовать тому или иному звуку? И есть ли вообще подобное соответствие?

Для начала хочется сказать, что музыкальная краска - это не отдельные звуки, а целая последовательность звуков, проще говоря — гамма. Она образует собой лад, мажор или минор, и тональность. Даже само слово «тональность» происходит от слова «тон». В музыке это звук, а в живописи - цвет.

Одним из музыкантов, который мечтал установить такую «звуко-цветовую» связь был композитор Александр Николаевич Скрябин. Он обладал цветотональным слухом, то есть воспринимал тональности в определенном цвете. До-мажор – красным, соль-мажор – оранжево-розовым, ре-мажор – желтым, ля-мажор – зеленым, ми-мажор и си мажор для него были приблизительно одного сине-белесоватого цвета, фа-диез-мажор – ярко синий, до-диез мажор – фиолетовый, ля-бемоль мажор – пурпурно-фиолетовым, ми-бемоль мажор и си-бемоль мажор – оба стальные с металлическим блеском, фа-мажор – темно красный. Любопытно, что первые из названных тональностей точно повторяют цвета радуги, а остальные являются их производными. Кроме того, композитор делил тональности на "духовные": фа-диез мажор и "земные", "материальные": до-мажор, фа-мажор. Соответственно характеризовались им и цвета: красный - "цвет ада", синий и фиолетовый - цвета "разума", "духовные" цвета. На основе подобного цветовосприятия, А.Н. Скрябин объединял в своих музыкальных сочинениях нотную и цветовую партитуры. Например, в 1910 году, он создает первую в музыкальном искусстве световую партитуру в симфонической поэме «Прометей». Наряду с инструментальными партиями оркестра, он выписывает отдельно партию цвета –Luce. Она отражает не только смены тональных комплексов в крупных частях поэмы, но и различные тональные перемещения вокруг одного устоя в эпизодах формы.

Скрябин был уверен, что все люди воспринимают тональности также как он и окрашивают их в те же цвета, что и он. И был крайне удивлен, когда выяснилось, что это не так. Александр Николаевич был не единственным композитором, обладавщим подобным «цветным слухом». Кроме него таким же качеством слуха обладали Берлиоз, Лист, Вагнер, Римский-Корсаков. И все они по-разному соотносили цвет и звук. Например, Римский –Корсаков совсем по другому «слышал» цвета тональностей: до-мажор для него был белый, соль-мажор – коричневым, а вот синими цветами он «видел» ми-мажор (сапфировый, блестящий) и ми-бемоль мажор (темный, сумрачный, серо-синеватый).

Приходите в музыкальную школу и мы вместе попытаемся разобраться во всех цветах и оттенках звуков!

Если обойтись без строгости словарных определений, то романс по сути дела – это эстрада, популярная музыка 19-го века. Хотя зарождаться он начал гораздо раньше (в 13-14 веках), его суть и тогда была той же. Странствующие по Испании певцы-поэты исполняли свои произведения для самой разной публики. И музыка эта была близка практически каждому. Кстати и название жанра буквально означает «по-романски», то есть подразумевает песню, исполняемую на испанском языке, не на латыни, как в церковных песнопениях.

В России жанр романса сформировался и стал популярен в конце 18-го – начале 19-го веков. Отчасти помогла этому новая мода – юных барышень стали учить играть на музыкальных инструментах. Способности, конечно, у всех были разные, а, тем не менее, следовать новому веянию хотелось. Однако надо было не только чисто провести мелодию, но и аккомпанировать себе. Отсюда вытекало, что произведение это не должно было быть слишком сложным, - должно было быть доступным практически каждой барышне. Диапазон звуков умещался в пределы октавы, а иногда и сексты. Также для большинства романсов характерно несложное гармоническое развитие, - известная всем с первого класса музыкальной школы последовательность, - Т-S-D.

Аккомпанировали себе певцы чаще всего на гитаре, фортепиано, или арфе. Эти инструменты хорошо способствовали передаче настроения произведения. Ведь после исполнения романса у слушателя должно было остаться ощущение щемящей грусти, или ностальгии, но обязательно печаль эта была приятной. Стоит отметить, что можно выделить несколько видов романса: городской, цыганский, жестокий романс. Особенности первых двух наиболее ясны. А вот последний примечателен сюжетами – их всего чуть больше 10, и все эти истории заканчиваются одинаково печально: убийством, самоубийством, или смертельным горем. Эта разновидность романса появилась в среде жителей низших и средних слоев городского населения.

Новый жанр настолько пришелся по вкусу публике и исполнителям, что романсы писали тогда практически все. И, тем не менее, были отдельно стоящие мастера жанра – по случайности три Александра: Варламов, Гурилев и Алябьев – автор знаменитого «Соловья». Также Михаил Глинка, создавший не менее известные «Я помню чудное мгновенье» и «Не искушай меня без нужды». Правда, произведения этих авторов уже нельзя назвать такими уж простыми, предназначавшимися обывателю. Некоторые из них даже, напротив, требуют незаурядных данных.
Ну, а наиболее известных исполнителей русских романсов знает каждый: Федор Шаляпин, Александр Вертинский, Леонид Утесов, Изабелла Юрьева. Можно продолжать и дальше. Сегодня эстафету приняли Олег Погудин, Александр Малинин, также романсы периодически перепевают многие эстрадные исполнители, - жанр по-прежнему популярен и любим. Получается как у Пушкина с «Повестями Белкина»: «История эта не нова, история эта стара, но вам разорвет она сердце, коль с вами случится она». Время идет, но душу современного человека трогают все те же переживания…

Если Вы давно мечтаете исполнять романсы, то вам просто необходимо посетить ознакомительный урок в музыкальной школе, начать обучение и непременно развивать в себе свой талант!

Подобрать барабанные палочки не так уж просто, как кажется. От их выбора зависит достаточно многое: в первую очередь, это звучание инструмента и ваши ощущения во время игры. Не стоит полностью доверять советам других музыкантов: играть этими палочками придется все-таки вам, поэтому лучше самостоятельно пойти в магазин, попробовать различные варианты палочек и приобрести понравившуюся вам пару. Современные барабанные палочки имеют просчитанный вес и центр тяжести, это помогает барабанщику иметь больше контроля и скорости при игре. Важное понимать, что палочки являются расходным материалом, следовательно, не нужно обматывать их различными лентами, макать в особый химический состав с целью продления их срока службы. Все это меняет их качественные свойства. При правильном звукоизвлечении на барабанах и тарелках, палки будут жить гораздо дольше. Наслаждайтесь игрой на музыкальном инструменте и постоянно повышайте свое мастерство.

Если вдруг возникла необходимость купить барабанные палочки, то, в первую очередь, стоит обратить внимание на материал, из которого они изготовлены. К примеру, палочки из клена подойдут для энергичной игры, так как они легкие и очень гибкие. А вот палочки из ореха пользуются особым спросом среди музыкантов, они обладают прекрасной гибкостью и обеспечивают неплохой уровень поглощения энергии. Барабанные палочки из дуба очень прочные, однако, они плохо поглощают энергию, поэтому вы можете чувствовать вибрации во время игры. Если на палочке не указано, из чего она изготовлена, то лучше не покупать такой товар, потому что он изначально не соответствует мировым стандартам.

Другой важной составляющей любой палочки является ее наконечник. Он бывает разной формы и размера. От его свойств очень сильно зависит звучание тарелок и малого барабана. Он бывает из дерева, либо из нейлона. Лучше отдать предпочтение дереву. Это наиболее естественный вариант для игры, единственный минус в данном случае – низкая износостойкость при частой игре. Нейлоновый наконечник при большем сроке эксплуатации дает более звонкий звук при игре на тарелках и электронных барабанах, но звук получается искаженным и не натуральным, также нейлон может внезапно отлетать от барабанной палочки.

Третий важный момент – размер барабанных палочек. Они отличаются длинной, толщиной и весом. Нужно понимать, что у каждого человека разный размер руки и пальцев, исходя из этого нужно подбирать размер барабанных палочек. Они бывают большие и легкие или маленькие, но тяжелые и так далее. Вариантов очень много. Маркировку можно найти непосредственно на каждой из них. Рассмотрим самые распространенные модели палок, которые существуют у любых производителей. Палочки с маркировкой 5A и 5B – идеальный вариант для поп, рок-музыки и для начинающих музыкантов. Эти модели имеют самый хороший и предсказуемый отскок. Модель 2B– хорошо подойдет для тяжелого рока или металла. 7A - хорошо подойдут для джазовой музыки.

Кроме того, в специализированных магазинах наверняка вам приходилось видеть барабанные палочки с резиновыми наконечниками. Они позволяют тихо отрабатывать различные удары и ритмические последовательности, отскакивая от любой ровной и твердой поверхности. Сейчас они стали пользоваться все большей популярностью среди музыкантов, хотя ими не всегда удобно играть, и цена у них довольно высокая. Кому-то нравятся цветные палочки, однако они не очень практичные, так как оставляют следы на музыкальных инструментах. Также вы должны учесть, что если у вас очень часто ломаются палочки, то, возможно, проблема в неправильных ударах, а не в барабанных палочках. Поэтому, стоит внимательно относиться к своему звукоизвлечению и правильной расстановке барабанов и тарелок. Это поможет избежать частых поломок палочек.

Те, кто хотел бы научиться играть на клавишных инструментах, наверное, сталкивались с проблемой выбора, что приобрести – пианино или синтезатор. Однозначно ответить на этот вопрос будет сложно. Как говорится, «каждому – свое», хотя оба эти инструмента имеют свои преимущества и недостатки.

Одним из основных достоинств пианино является чистый звук настоящего оригинального инструмента. Совершенно идентичный звук акустического фортепиано невозможно воспроизвести, несмотря на все обещания производителей электронных инструментов. Синтезатор по звучанию очень напоминает фортепиано, но назвать звуки полностью одинаковыми вряд ли получится.

С другой стороны, у фортепиано принцип звукоизвлечения механический, а у синтезатора он электронный. Это оказывает влияние не только на звучание, но и на процесс обучения того или иного человека. У пианино можно в любой момент открыть крышку и наглядно продемонстрировать, что происходит с инструментом во время нажатия на клавиши или на педаль. В первую очередь, это необходимо для понимания.

Клавиши у пианино более «капризные», чем у синтезатора, поэтому переходить с одного инструмента на другой не так уж просто. К примеру, наиболее часто используемые клавиши – более «разболтанные», те, что используются реже напротив – тугие, поэтому нажатие приходится корректировать исходя из этих особенностей. Чтобы звук был ровный и красивый вам придется очень постараться, но после такой тренировки синтезатор – просто игрушка! Также не стоит забывать, что в игре на пианино результат гораздо больше зависит от мастерства исполнителя, чем на синтезаторе, который «сглаживает» многие неточности.

Одно из преимуществ синтезатора – возможность выставлять различные опции, за счет чего будет создаваться впечатление, будто играет целый оркестр. Можно выбирать между звуками рояля, скрипки, гитары. В случае с пианино, очевидно, что это просто невозможно.

С другой стороны у синтезатора удастся легко регулировать громкость звучания, либо вообще заниматься в наушниках, а у пианино подобная опция не предусмотрена. Кроме того, принято считать, синтезатор с полным набором функций стоит намного меньше, чем пианино. Но если ваша мечта играть именно на фортепиано, то не стоит отчаиваться раньше времени! Если хорошо поискать в интернете, то можно найти немало объявлений о продаже подержанных инструментов. Фортепиано, а порой даже рояли в прекрасном состоянии отдают совершенно бесплатно, при условии самовывоза, или же за вполне приемлемую плату. Таким образом, вопрос о том, какой инструмент дороже, можно считать открытым, потому что цена может варьироваться в каждом конкретном случае.

Несомненным плюсом синтезатора можно считать то, что он занимает меньше места в квартире и не нуждается в особом уходе, а вот фортепиано требует к себе повышенного внимания. Во-первых, это особая влажность воздуха, а, во-вторых, определенное место положения в помещении (его нельзя ставить рядом с окнами и батареями). Если пренебречь подобными условиями, то качество звука значительно ухудшится, а со временем инструмент просто будет испорчен.

Также синтезатор не требует настройки, зато пианино придется настраивать регулярно. Разумеется, вызов настройщика стоит определенных денег, поэтому перед покупкой пианино сначала узнайте о стоимости подобных услуг и подумайте, готовы ли вы периодически платить такую сумму. С другой стороны, если сломается клавиша у синтезатора, починить ее будет гораздо сложнее и это наверняка обойдется не дешевле, чем настройка фортепиано. Хороших настройщиков мало, но специалистов по конкретным моделям синтезаторов едва ли намного больше!

В любом случае, принимать решение только вам. Но никакие минусы того или иного музыкального инструмента не способны испортить общего впечатления и удовольствия от игры на нем и обучения в музыкальной школе!

Если вам захотелось научиться игре на акустической гитаре, то вам не обойтись без собственного инструмента. В настоящее время выбор акустических гитар достаточно большой, поэтому при покупке следует обратить внимание на некоторые ключевые моменты.

Во-первых, идите в магазин в одиночку. Друзья и знакомые будут только мешать своими советами, а играть на выбранной гитаре придется потом вам. Единственное, что они могут сделать – обратить внимание на какой-либо недочет, который вы пропустили.

Во-вторых, отдайте предпочтения зарубежным производителям. Отечественные акустические гитары значительно хуже по качеству, чем даже корейские или чешские аналоги.

В-третьих, нужно знать, что на гитару с нейлоновыми струнами их нельзя в дальнейшем заменить на металлические. Они имеют более сильное натяжение и могут испортить инструмент. Если же в гитару с металлическими струнами вдеть нейлоновые, то звук будет глухим и совершенно безжизненным.

В-четвертых, лучше всего отдать предпочтение гитарам с цельной верхней декой, а не с фанерной. Этот инструмент более надежный, да и звук в данном случае будет намного лучше.

В-пятых, когда точно определитесь с понравившейся моделью, попросите у продавца принести вам несколько одинаковых вариантов гитары. Попробуйте каждый из них. Наверняка, все они будут звучать по-разному. Выберите наиболее подходящий для вас.

В-шестых, обратите внимание на деку и гриф. Они должны быть без царапин, сколов и трещин. Осмотрите гриф. Его поверхность должна быть ровной. Чтобы узнать так ли это, нужно зажать 1-ую и 6-ую струны на 1-ом и 20-ом ладах. У ровного грифа выделенное расстояние у двух струн одинаковое. Кроме того, гриф должен ровно прилегать к деке.

В-седьмых, металлические элементы гитары должны быть без следов коррозии.

В-восьмых, хорошо если корпус гитары будет как можно толще, это позволит увеличить громкость и глубину издаваемого звука.

В-девятых, стоит избегать гитары с имеющим регулировку грифом. Если при ее производстве использовалось дерево низкого качества, то звук будет «плыть». В данной ситуации гриф должен быть сделан из клена или быть очень хорошо сбалансирован.

В-десятых, хорошо, если у вас есть возможность купить вместе с гитарой чехол и ремень. Так вам не придется беспокоиться о сохранности вашего инструмента.

Покупка гитары – ответственный момент, поэтому если вы воспользуйтесь вышеприведенными советами, то вы успешно справитесь с выбором инструмента.

Индийская музыка привлекает слушателей своим немного мистическим звучанием и большим разнообразием и экстравагантностью музыкальных инструментов. Индия – страна многообразная, яркая, страна контрастов. Это касается культуры вцелом, религии, языка и диалектов и, конечно же, музыки.

Индийских музыкальных стилей существует большое множество, каждый из них является красочным отображением индийской культуры, иногда каких-то конкретных ее аспектов. В данной статье речь пойдет об исполнении мантр.

Хочется рассказать что же это такое, откуда возникли мантры и каковы вообще традиции, связанные с их исполнением.

Древние индийские источники говорят, что мантра – это слог, слово или стих, обладающие способностью воздействовать на сознание человека, если их повторяют, пропевают, слушают, размышляют над ними. В Индии считают, что мантра – это носитель энергии, это энергия в звуке. Каждый звук, как вибрация, создает определенную форму в невидимом мире, комбинация звуков создает сложные формы.

Так как же возникли мантры? Откуда, из какого источника они появились?

Древние мудрецы, философы Индии изучали как связаны между собой слово и мысль, форма и имя. С помощью медитативных практик великие йогины восприняли вибрации, которые, по индийским верованиям и знаниям, соответствуют различным проявлениям сознания космоса и сил природы, и выразили эти вибрации в форме мантр, которые с течением времени были оформлены и записаны.

Мантры могут исполняться несколькими людьми, группой, и тогда это называется киртан, или бхаджан. Распеваются они обязательно под музыкальные инструменты, о которых пойдет речь.

Фисгармония

Это клавишно-пневматический музыкальный инструмент, разновидность гармоники. В качестве источника звука в фисгармонии используются проскакивающие металлические язычки.

Табла

Один из многих индийских барабанов, ударный инструмент. Это один из самых древних музыкальных индийских инструментов, использующийся в традиционной классической музыке Индийского континента. Сверху корпусов – мембраны, ударами по которым и извлекается звук.

Мриданга

Также ударный инструмент, барабан. С двух сторон корпуса, по бокам, - мембраны, извлечение звука так же, как и на таблах, только немного другая техника.

Караталы

Ударный индийский инструмент, скорее всего, лучше отнести его к перкуссионным. Иногда их еще называют “колокольчики” за их мягкий, приятный, тонкий звенящий звук.

Это основные, самые распространенные музыкальные инструменты, использующиеся при распевании мантр, - при киртанах и бхаджанах. Существуют и другие инструменты.

Отличие киртана, или бхаджана от простого исполнения мантр заключается в том, что при киртане есть ведущий, кто запевает, но обязательно все остальные люди, что присутствуют, участвуют в киртане и подпевают солисту, таким образом, киртан (бхаджан) поется совместно. Еще одной интересной особенностью киртана является то, что все участвующие в нем, как правило, сидят в кругу (если только это не отдельный концерт-выступление музыканта), тем самым создается единство и гармония происходящего действа.

В современном музыкальном мире исполнение мантр довольно-таки распространено. Здесь можно назвать такие имена мировой музыки, как: Кришна Дас (Krishna Das, американский исполнитель), Дева Премал и Митен (Deva Premal & Miten, немецкая исполнительница и ее партнер по музыке), Нина Хаген (Nina Hagen, также немецкая исполнительница). Нельзя не назвать и Бориса Борисовича Гребенщикова с его альбомом “Прибежище” (1998 г.), в котором он исполнил мантры.

DevaPremal,Miten&Manose

Nina Hagen

KrishnaDas

Борис Гребенщиков

Классической считается испанская акустическая гитара, однако история ее возникновения охватывает сотни лет, и порой достаточно сложно отследить ее эволюцию.

Возможно, предшественником первой гитары был лук. По мнению некоторых исследователей, данный предмет использовался не только для охоты, но и в качестве музыкального инструмента. Если на него натягивали не одну тетиву, а несколько, то каждая из них в связи с разной длиной и силой натяжения издавала различный по высоте звук.

Упоминание о первых струнных инструментах появилось еще в глубокой древности. Особое распространение они получили в азиатских странах. Начиная с 9 века нашей эры, в Египте начали использовать струнный инструмент с шейкой, который назывался «китара». В 10 веке в Европе изображения людей со струнно- щипковыми инструментами в руках стало общепринятым. Подобные изделия имели 3-4 струны.

Начиная с 13 века, сведения становятся более точными. О гитаре упоминается сразу в нескольких творениях испанской литературы. Тогда существовало два вида этого инструмента: мавританская гитара и латинская гитара. Мавританская гитара имеет красиво изогнутый корпус и ряд декоративных отверстий, а латинская гитара обладает более сложной формой, характеризующейся плоской нижней декой. Подобные изделия уже начинают по своему строению напоминать современные гитары: у них немного вытянутый в «талии» плоский корпус, есть резонаторное отверстие, находящееся в центре, а также шейка с грифом, обладающим порожками. Однако количество струн и способ их крепления несколько отличается от современных инструментов.

Вскоре гитары стали массово использовать во Франции, Англии и Германии. Один экземпляр подобных инструментов под названием «guittern» уцелел и до наших дней. Его можно увидеть в Британском музее в Лондоне.

В 15-16 веках гитара имела 5 струн и по форме напоминала свою предшественницу лютню. Далее в Германии, либо в Италии (мнения историков расходятся) к гитаре была добавлена шестая струна. Так она приобрела свой классический вид.

Благодаря работам таких музыкантов, как: Таррега, Сеговия и Льобет – инструмент приобрел большую известность и перешел в статус «самостоятельного» во время концертов. В первой половине 20 века появляется электрогитара. Она не только обогащает создаваемые композиции новым звучанием и дает музыкантам новые возможности для самовыражения, но также становится центральным инструментом для многих современных музыкальных направлений.

В наши дни все большую популярность приобретают профессиональные уроки гитары, посещая которые практически любой желающий сможет освоить этот инструмент!

Сперва выясним что означает альтерация. Слово переводится, как «изменять». Получается, что это знаки, которые меняют звучание нот.

Существует три основных знака:

• диез,
• бемоль,
• бекар.

Пример: Обратите внимание на то, что все знаки пишутся перед нотой! А так же рисуются на линейке или между линеек соответственно той ноте, к которой относится этот знак. То есть, если знак нужно поставить к ноте соль, то он должен находится на второй линейке, как мы видим это выше.

Теперь расскажу о значении этих символов.

Диез – знак повышения ноты на пол тона.

Символ диеза похож на решетку- # и используется следующим образом: вместо белой клавиши соль на фортепиано, мы берем соседнюю правую черную клавишу соль диез.

На гитаре так же можно сыграть эти ноты. Для этого необходимо зажать первую струну на третьем ладу – это нота соль, а затем переместить палец на четвертый лад, тем самым прозвучит нота соль #.

Бемоль – это знак понижения ноты на пол тона. Он похож на прописную английскую букву b. На фортепиано это соседняя левая черная клавиша от ноты соль. А на гитаре соль бемоль – это зажатая первая струна на 2 ладу, так же находящаяся левее по грифу от ноты соль.

Бекар отменяет любые знаки, будь то диез или бекар. Тем самым нота становится чистой, без повышения или понижения.

Пример: Третья нота соль становится такой же, как и первая. Знак бемоля отменяется.

Существует важное правило: знак поставленный к определенной ноте в начале такта будет действовать на протяжении всего такта, то есть до тактовой черты.

Пример: Диез к ноте фа будет действовать на протяжении всего такта.

Иногда в музыке требуется повысить ноту не на пол тона, а на целый тон. Для такого изменения существуют следующие знаки:

1. для повышения на тон – дубль–диез. Его символ похож на крестик.
2. для понижение на тон – дубль–бемоль. Его символ обозначается, как двойное bb.

Само слово дубль означает «двойной».

Пример использования дубль–диеза: Нота соль дубль–диез будет звучать, как чистая нота ля.

Пример использования дубль-бемоля: Нота ля дубль–бемоль будет звучать, как чистая нота соль.

Итак, запомним несколько главных правил:

• все знаки ставятся перед нотой.
• знак действует на протяжении всего такта.
• бекар отменяет любые знаки.

На сегодняшний день купить микрофон не составляет особого труда, однако самое сложное – выбрать соответствующую модель среди множества вариантов, которые имеются на рынке. Все микрофоны ориентированы на выполнение одной и той же задачи, выполняя преобразование акустической энергии (колебаний звука) в колебания электрического тока. Однако все они различаются по следующим характеристикам:

• конструкция (принцип работы);

• частотный диапазон;

• чувствительность.

В зависимости от назначения микрофоны бывают:

1. конденсаторные– работают по принципу изменения электрической емкости колебаниями мембраны. Такие микрофоны нуждаются во внешнем питании, например, от батареек либо по проводам, по которым микрофон подключен к предусилителю. Отличительной особенностью конденсаторных микрофонов является повышенная чувствительность к посторонним шумам, однако в то же время они обладают прекрасным звучанием. Именно поэтому они рекомендованы к использованию в студиях звукозаписи.

2. ленточные – являются разновидностью динамических микрофонов, в которых вместо мембраны применяется тонкая металлическая лента. Основным достоинством таких микрофонов считается превосходно детализованный звук. Однако ленточные микрофоны достаточно хрупкие и отличаются значительно более высокой стоимостью.

3. динамические – работают по принципу, когда колебания мембраны приводят в движение катушку, перемещающуюся относительно неподвижного магнита. Благодаря такой конструкции динамическим микрофонам не нужно питание, однако они менее точно передают высокие частоты, а потому не подходят для ряда инструментов. В частности, их не стоит использовать для студийных записей вокала, однако рекомендуется применять для сценических выступлений.

4. электретные – являются подвидом конденсаторных микрофонов и не нуждаются во внешнем питании, поскольку получают постоянный заряд в заводских условиях. При этом, по качеству звучания они очень схожи с рядом динамических микрофонов.

Выбирая микрофон, необходимо учитывать его диаграмму направленности, то есть прогнозировать, с каких сторон звук будет поступать на микрофон.

Также немаловажной характеристикой считается частотный диапазон. Так, для вокала нижняя его граница может составлять 80 Гц, а для барабанов она не должна превышать 40-50 Гц, а, по возможности, еще ниже.

Кроме того, выбирая микрофон, необходимо определиться с его чувствительностью – показателем того, насколько громкий звук может определяться микрофоном, а также по уровню акустического давления, означающему максимальную громкость звука, который может передаваться без искажений.

В любом случае, покупка микрофона – занятие серьезное, а потому лучше обращаться в профессиональный магазин, где продавец сможет помочь в выборе, учитывая особенности дальнейшего применения микрофона. Так же Вы можете обратиться за консультацией к преподавателю музыкальной школы по классу вокала.

Какой бы плохой музыкальный слух вы не имели, - его можно развить до профессионального. Это только вопрос времени и усилий. Правда, заниматься придется каждый день. Так устроена человеческая память: чтобы начать запоминать звуки, требуется регулярно их слушать и анализировать. Возьмите хоть гудок в телефонной трубке, который соответствует ноте «ля», – его мы слышим по несколько раз в день.

Основной целью домашних занятий должно стать развитие внутреннего слуха и памяти. Рубинштейн утверждал, что во многом благодаря своей глухоте Бетховен создал столько великих произведений. А ведь он мог использовать лишь свой внутренний слух.

Итак, совет первый: как можно больше развивайте музыкальный кругозор, слушайте и пытайтесь вычленять характерные обороты, вспоминать, в какой песне, вы это уже слышали. Никогда не слушайте механически, - простая регистрация высоты звуков, хоть и многократная, не даст желаемых результатов.

Ставьте себе задачу найти в произведении какой-либо интервал или аккорд, - все время сравнивайте и сопоставляйте. Например, всем известная «В лесу родилась елочка» начинается с большой сексты, а «Yesterday» - с большой секунды. Также психологи советуют пользоваться ассоциациями, чтобы запомнить какой-либо элемент музыкального языка. Например, английский педагог Джон Кёрвен в 19 веке дал характеристику каждой ступени: звук первой ступени – прочный, решительный, пятой – величественный, яркий, четвертой – унылый, внушающий страх и так далее.

Очень хорошим помощником в улучшении слуха станет голос, - пропевайте ступени, интервалы, аккорды. В это время ваши связки будут запоминать мышечно то, что вы делаете. Так если вы попросите вокалиста спеть какое-либо произведение из его репертуара без сопровождения и настройки, то он, как правило, безошибочно начнет его в нужной тональности, - срабатывает мышечная память.

Еще одно хорошее упражнение для тренировки как раз внутреннего слуха: возьмите номер из учебника по сольфеджио и разделите его на музыкальные фразы. Первую пойте вслух, вторую про себя, далее продолжайте чередовать. Потом поменяйте порядок. Таким образом, чтобы вступить в нужную ноту, вам надо будет правильно синтонировать про себя, без контроля голосом.

Также сегодня существуют компьютерные программы для тренировки слуха. Как правило, они имеют схожий принцип работы, по такому же принципу устроены и многие музыкально-тренировочные приложения для смартфонов. К примеру, в компьютерной программе «EarMaster Pro» вы можете определять интервалы, ступени, аккорды, писать мелодические и ритмические диктанты. При этом вы самостоятельно задаете тональности и выбираете элементы, которые будут звучать в упражнении, выбираете одновременное или раздельное звучание интервалов\аккордов, движение вниз или вверх. Уровень сложности - любой, например, интервалы отнюдь не ограничиваются октавой, тот же подход к аккордам. Там, где кончается фантазия авторов, вы можете подключить свою, - задать свои аккорды. Хочется отметить, что и звук у этой программки приятный, - наиболее близкий к настоящему фортепиано.

Готовьтесь к тому, что занятия по тренировке слуха потребуют серьезной концентрации внимания и активного мышления. Запись в музыкальную школу может существенно помочь вам в этом деле! Главное помните - результат того стоит.

История создания фортепиано уходит корнями в далекую эпоху Средневековья. Именно тогда появились первые прообразы современных клавишных инструментов - портативные органы. Однако все-таки следует отнести их к классу клавишно-духовых инструментов. В те времена на них играли бродячие артисты и таким образом увеселяли публику и зарабатывали себе на хлеб. Далее портативный орган видоизменился, стал больше по размеру, а применять его начали в основном в церковной музыке.

Другими близкими «родственниками» фортепиано можно назвать клавикорд и клавесин. Первые упоминания о них появляются в 16 веке. Однако самый старый клавикорд был изготовлен в 15 веке. Основное отличие данных инструментов - в их звучании, обусловленном разной конструкцией. Клавикорд относится к группе клавишно-ударных, а клавесин - клавишно-щипковых инструментов, к тому же последний обладает более сложным механизмом. В свое время эти инструменты использовали для создания своих шедевров Моцарт, Бах, Бетховен и многие другие известные композиторы.

В начале 18 века итальянский клавесинный мастер Бартоломео Кристофори изобрел инструмент, называемый «пианофорте», за которым в дальнейшем закрепилось название фортепиано. Основными его достоинствами можно назвать динамическую свободу и резонанс, за счет которого удавалось получать звук любой протяженности, благодаря наличию у инструмента специальных педалей для отрывистого звука и для более протяженного. Кроме того, фортепиано обладало более сложной молоточковой системой по сравнению со своими предшественниками.

В дальнейшем фортепиано совершенствовалось: улучшился клавишный механизм, увеличился диапазон, произошли изменения расположения струн и многое другое. Проблему слабой репетиции удалось решить в 1823 году Себастьяну Эрару. Это позволило вывести фортепианную музыку на новый уровень.

В 19 веке фортепиано стало пользоваться большой популярностью в Европе, а затем дошло и до России. Многие компании начали заниматься изготовлением данного инструмента. В настоящее время таких фирм около 20 000. В первую очередь, рост популярности фортепиано был связан с тем, что его предшественник клавесин издавал быстро затихающий звук, а это не позволяло играть legato. Тем не менее, клавесинная музыка не вышла из употребления, а, наоборот, пережила свое возрождение в начале 20 столетия.

В 20 веке на смену фортепиано пришли синтезаторы и электронные пианино, позволяющие создавать различные композиции с элементами электронной музыки.

В целом же современные фортепиано делятся на две группы: рояль и пианино, диапазон которых в большинстве случаев составляет 88 полутонов (52 белых и 36 черных ключей). Они отличаются друг от друга как по форме и размерам, так и по способу звучания. У рояля струны расположены горизонтально, а у пианино – вертикально.

Если вы хотите освоить игру на фортепиано или синтезаторе, начните свой путь в музыкальной школе Jam’s cool. Благодаря проверенным методикам обучения и качественной подготовке преподавателей, уже через несколько месяцев вы сможете исполнить первые несложные композиции.